El miedo: nuestro peor enemigo

La BBC presenta un drama psicológico basado en el agente de policía John Luther (interpretado por Idris Elba), quién investigará y buscará solución para los casos más extraños y depravados. Paralelamente se cuenta su vida personal y de qué manera incide su trabajo en ella. A partir de aquí, se desarrollan tramas de lo más intrigantes con personajes controvertidos tales como Alice Morgan, pieza fundamental para la comprensión del personaje principal.

John Luther es un hombre de unos cuarenta años, alto, robusto y de clase media. Es una persona reservada, muy inteligente, temperamental, impulsivo y preocupado por su trabajo, dedicándose en cuerpo y alma a la investigación de cada caso, haciendo uso de su suspicaz intuición. Es un personaje aislado puesto que guarda distancias con sus compañeros de trabajo evitando mostrar o contar sus propios sentimientos. Como eneatipo, su gran fijación es el miedo y la inseguridad en sí mismo, lo que le lleva a un distanciamiento con su mujer, la cual mantiene una relación con otro hombre. En su camino se cruza Alicie Morgan, una joven mentalmente brillante y oscura, quién se fascina por la personalidad del protagonista. En un primer capítulo, esta chica pelirroja, delgada y de tez blanca se presenta como antagonista de Luther (es interrogada por éste tras el asesinato de sus propios padres) pero a medida que avanza la serie, sus propósitos serán muy distintos a los que en un principio se creían, intentando proteger a John sin el consentimiento de éste. Alice responde a las características del eneatipo de la vanidad, consiguiendo lo que se propone e incluso brillando en ello. La relación entre ambos personajes sufre un inesperado giro.


En definitiva, esta serie episódica gira en torno a estos dos personajes fijos que mantienen una trama abierta desde el primer capítulo otorgando serialidad a la misma.

 Año: 2010

País: Estados Unidos

Valoración: 8

El flamenco no entiende de fronteras...

La leyenda del tiempo es una película de género documental y carácter intimista que nos presenta dos historias paralelas. Por un lado, Israel, gitano de 13 años que tras el fallecimiento de su padre guardará luto y no volverá a cantar. Por otro lado, Makiko, una joven enfermera japonesa que viaja a España, para cumplir su sueño: aprender a cantar flamenco.

El nexo de unión de ambas historias es el flamenco como máxima expresión de evasión. Israel ansia salir de su Isla natal tras la muerte de su padre para encontrar aquello que no encuentra. Al igual que ocurre con Makiko, que marcha a San Fernando para encontrarse a sí misma, a través del arte. En este caso, a través de Camarón y su música.

Durante el desarrollo, asistimos a una serie de reflexiones y decisiones que nos acercan a las emociones de Mikako e Isrrael y nos lleva a conocer de la forma más cercana el retrato de ambos.La realidad de los personajes y cómo se desenvuelven en situaciones muy cotidianas (relación de Israel con su hermano o de Makiko con su amigo japonés) es uno de los elementos que más embellece al film.

Por otro lado, queda la enseñanza latente de una figura del cante: Camarón y su asombrosa capacidad de traspasar las fronteras. El ejemplo más álgido de una figura humana casi divina, capaz de estar en todas partes y aunque ya muerto, su esencia habita en cualquier persona del mundo a través de los códigos que reescribe el flamenco.

Su director Isaki Lacuesta alardea con este docudrama todo un cante al buen gusto, sencillez y belleza de los detalles más insignificantes: desde el movimiento de las nubes al compás de bulerías hasta el tarareo más humilde al ritmo del vaivén de las olas de una playa.

Director: Isaki Lacuesta

País: España

Año: 2006

Valoración: 6

Un buen sabor de boca

Charlie y la Fábrica de Chocolate, estrenada en 2005, tuvo una excelente acogida en el sector infantil, sin embargo, no cosechó tanto éxito entre los adultos. Y quizás sea ahí donde radica su esencia. Esta adaptación cinematográfica de la novela de Roald Dahl tiene lo códigos necesarios para que un niño (o, en su defecto, quien sigue siéndolo) comprenda el verdadero mensaje que lleva implícito. Más allá de moralejas obvias o tópicas, la película es como un delicioso bocado de chocolate: dulce y placentero. Llena de escenas estrámboticas al más puro estilo Burton, se concibe dentro de un universo sin patrones donde todo es posible y donde se invita al espectador a dejar volar su imaginación.


Los personajes están bien contruidos aunque quizás demasiado lineales. No evolucionan a lo largo de la película, sino todo lo contrario, sus acciones son de esperar por el espectador. Pero no es más que el reflejo de la realidad con el materialismo como principio fundamental de la sociedad actual. Niños que creen que todo se compra o que viven en una competición constante, sin llegar a conocer otros valores importantes de la vida.


Llena de escenas deliciosas, la película presenta unos decorados maravillosos con efectos especiales que rozan la espectacularidad aunque de manera muy cuidada.

Director: Tim Burton

País: Estados Unidos

Año: 2005

Género: Fantástico. Comedia
Valoración: 7

Estar o no estar.

La soledad es una película de Jaime Rosales que narra dos historias: Adela, madre de un niño de año y medio que decide marchar a Madrid a buscarse la vida y Antonia, viuda con tres hijas que lucha constantemente por la unión familiar.

Ambas tendrán que enfrentarse a los desafíos de la vida con un nexo en común: la soledad metafísica basada en el sufrimiento en momentos cruciales.

Se trata de un film muy realista, ofreciendo la vida misma y el trascurrir del tiempo en la existencia humana y los lugares, sin necesidad de llegar más allá de contar una historia, simplemente aferrándose a las variables espacio-tiempo.

Este objetivo lo consigue a través del empleo de la polyvisión, técnica a través de la cual se le muestra al espectador de forma simultánea una acción ocurrida en un mismo tiempo con la posibilidad de verlo en dos espacios a la vez.

De esta forma, el director alcanza un alto grado de expresividad y poética que permite a los espectadores poder conocer la medida del tiempo y conectar imágenes que pueden derivar en reflexiones filosóficas. Tal es el caso de la escena de la muerte de uno de los personajes, conectando un espacio exterior e interior, una acción cotidiana como es tender la ropa en una terraza con el fallecimiento natural de una persona en el interior de una habitación.

La fotografía de esta película es uno de los puntos más interesantes: planos muy largos y fijos, espacios cargados de silencio, luz natural que proporciona el intimismo requerido en ciertas situaciones, atmósferas acordes con los personajes... Todos estos aspectos construyen una ambientación extraordinaria y apropiada para las historias que se narran.

Los personajes están construidos de forma natural, inteligente y sencilla retratando personas de clase media en situaciones puramente cotidianas y familiares con la posibilidad extra de verlos en espacios en off, elemento poco común en otras producciones.

Estamos ante una nueva forma de hacer cine profundizando en el conocimiento y la enseñanza para dejar atrás otros fines puramente hollywoodienses basados en la seducción. Se trata, por tanto, de un cine más intuitivo y expresivo que invita al público a la reflexión sobre la existencia humana y sus relaciones.

Tráiler:

Director: Jaime Rosales

Género: Drama Social

País: España

Año: 2007

Valoración: 7

Ensayo sobre el amor y el arte.

Copia certificada conforma un paseo costumbrista con el escenario europeo de La Toscana de trasfondo, lugar en el que dos "desconocidos" juegan a conocerse o a creer que se conocen.


Asistimos al recorrido de una relación entre un aclamado escritor inglés y una galerista francesa: el enamoramiento o interés inicial del uno al otro, seguido de una fase de desgaste que arrastra quince años de matrimonio, revelando así la incomunicación de la pareja. Finalmente, habrá un nuevo intento de seducción para culminar con el repique de campanas que sellan un final abierto.


A su vez, este melodrama plantea toda una oda al arte y a la defensa de la copia frente al original. Asimismo, este último es una copia de algo ya existente. La esencia está en la capacidad del autor de reinventarse y otorgar nuevos valores a una obra, sin perder la autenticidad inicial del original.


Con esta película, Abbas Kiarostami pretende hacer una reflexión sobre su propio cine, apoyándose en planos largos y planos secuencias tales como el paseo en automóvil. A su vez, busca la identificación del espectador con los personajes mediante el uso de planos y contraplanos muy cuidados que componen muchas de sus escenas. Todo ello logra una estética cinematográfica que embellece el film de principio a fin.


Además, el director plantea durante toda la película el juego de exteriores/interiores, colocando a los personajes en momentos y lugares concretos tal y como requiere el contrapeso del propio guión.


Por su parte, Juliette Binoche y William Shimell, protagonizan una interpretación soberbia que refleja verdadera complicidad, ya que con sus silencios, gestos y miradas saben dotar de naturalidad diálogos cargados de contenido que oscilan entre la existencia y las relaciones entre seres humanos.


En definitiva, película pretenciosa con un inicio prometedor para dar un giro en el guión y llevar al espectador a la recreación y la admiración de puestas en escenas magistrales en detrimento de la historia de amor que se nos plantea.


Trailer:

Director: Abbas Kiarostami

Género: Drama

País: Francia, Italia e Irán

Año: 2010

Valoración: 6